JUSO PER FERIE – LA RECENSIONE

“Juso per Ferie” è un documentario affettuoso, ironico e irriverente che ripercorre la parabola umana e cinematografica di Galliano Juso, produttore fuori dagli schemi, instancabile cercatore di storie, scopritore di talenti e pioniere visionario del cinema italiano di genere. Figura eccentrica e generosa, capace di attraversare cinque decenni di cinema italiano senza mai perdere il gusto per il rischio, Juso ha prodotto film entrati nell’immaginario popolare – dai poliziotteschi di Nico Giraldi con Tomas Milian ai cult anarchici come “W la foca” – ma anche opere sorprendenti di autori outsider e scommesse su giovani talenti, spesso in anticipo sui tempi. A due anni dalla sua scomparsa, il documentario lo saluta e lo omaggia cercando di riportare sullo schermo la sua fantasia e il suo amore per il cinema.

Dopo il debutto con un film autobiografico sul sottobosco cinematografico romano e su un’attrice che non riesce a sfondare, il divertente “Maria per Roma”, e “Il grande Boccia”, un ritratto spassosissimo di quello che è stato considerato l’Ed Wood italiano, ossia Tano Boccia, passato, dopo anni di travagliata produzione, alla Festa del Cinema di Roma 2025, Karen Di Porto chiude la sua ideale trilogia con questo documentario, scritto con Steve Della Casa, dal titolo meraviglioso e geniale. “Juso per ferie” è proprio il marchio di uno degli ultimi veri produttori italiani: uno che in ferie non è andato mai o che, forse, vi era sempre, sospeso tra infiniti “vorrei, ma non posso”. Uno che, per terminare una pellicola che non aveva più fondi, non esitava ad imbarcarsi in un nuovo spericolato progetto, magari ancora solo teorico, per raggranellare i soldi necessari. Un pazzo, un sognatore, che ha cercato di cambiare, forse non sempre consapevolmente, il sistema dall’interno: un contestatore in sordina. Progetti come “Chicken Park” di Jerry Cala, parodia di “Jurassic Park” a base di polli mutanti con effetti speciali dall’amatoriale al geniale, o “W la foca” di Nando Cicero, che vedeva, tanto per dirne una, Franco “Bombolo” Lechner nell’improbabile ruolo di un medico o ancora “Amami” di Bruno Colella, tentativo non riuscito di traghettare al cinema “normale” Moana Pozzi, poco prima della sua morte, sono autentici colpi di cannone verso l’establishment, il mainstream e – perché no?! – il comune senso del pudore.

Galliano Juso è anche colui che si è diviso tra la produzione della serie di film su Nico Giraldi/“Er Monnezza” – da “Squadra anticipo” a  “Assassinio sul Tevere” – interpretati da Tomas Milian, svendendone poi per due soldi i diritti a Mediaset, e quella di tutta una serie di opere firmate da registi di calibro non indifferente: Fernando Di Leo, Giuliana Gamba, Tinto Brass, Mauro Bolognini, Carlos Saura, Daniele Ciprì & Franco Maresco, Flavia Mastrella & Antonio Rezza, Pasquale Scimeca, Giuseppe Gagliardi, Alessandro Piva, tanto per citarne alcuni.

Numerose testimonianze, da Giuseppe Tornatore a Giovanni Veronesi, da Marco Giusti a Lino Banfi, da Jerry Calà ad Antonio Monda, passando per lo scrittore Marco Lodoli, con cui ebbe non pochi diverbi per “Snack Bar Budapest”, restituiscono il ritratto di un produttore unico, che oggi manca davvero tanto al Cinema italiano. 
Ciao, Galliano!

Voto: 7 1/2

Paolo Dallimonti

BUNKER – LA RECENSIONE

Quando un architetto accetta un progetto moralmente ambiguo – costruire un bunker per la sopravvivenza destinato a un magnate della tecnologia – sua moglie comincia a mettere in discussione il loro matrimonio, dopo diciassette anni insieme.
Bunker è un thriller drammatico che esamina le sfide emotive e morali affrontate da una coppia mentre le angosce di un mondo sempre più incerto iniziano a ridefinire il loro legame, indagando le paure, i dubbi e i dilemmi etici che caratterizzano il nostro tempo.

Film a tesi, dal regista di “The father”, sceneggiato insieme agli argentini Mariano Cohn e Gastón Duprat, specialisti in tematiche “artistiche”, che spinge agli estremi le ansie e le frustrazioni del protagonista. Il quale, appunto, è un architetto, messo moralmente  alla prova tra una follia professionale e morale che gli è stata proposta, in cambio della classica cifra cui non si può dire di no, e un altrettanto ambiguo vicino di casa che sta cercando di aprire direttamente nel suo giardino una finestra per dare luce al suo garage appena adibito ad abitazione.

La paura del futuro, le minacce ecologiche, il divario sociale in aumento e l’individualismo sfrenato sono al centro del terzo lungometraggio di finzione firmato dal francese Florian Zeller. Ma, in una pellicola che vuole e deve dimostrare a tutti i costi qualcosa, i personaggi sono tagliati con l’accetta e le estreme conseguenze della (ipo)tesi iniziale finiscono per richiedere nel finale, quando gli eventi precipitano, una eccessiva sospensione d’incredulità da parte dello spettatore.

Javier Bardem e sua moglie Penélope Cruz, sullo schermo sono una credibile coppia in crisi (ma non nella vita reale), tra le goffaggini di lui e i pochi dubbi di lei. Paul Dano, la cui comparsa quasi a sorpresa in una videochiamata è un valore aggiunto, è il discutibile magnate della tecnologia che ha richiesto il bunker del titolo. Un film fin troppo scritto (e troppo lungo) che paga lo scotto della sua essenza.

Voto: 6

Paolo Dallimonti

COMPANY – LA RECENSIONE

In una notte d’inverno del 1975, una misteriosa donna di nome Evelyn si presenta non invitata a una festa e racconta la storia di Tom, un anziano solitario che nel 1953 trae in salvo un’attrice rimasta bloccata durante una bufera di neve in Colorado. L’attrice, per ingannare il tempo durante la notte, rievoca a sua volta una storia più antica: quella di una coppia di contadini che accoglie un giovane vagabondo tormentato, mentre lungo la frontiera si diffonde il terrore per una serie di efferati omicidi. A mano a mano che si intrecciano storie di generazioni diverse, Company diventa una meditazione sul lutto, sulla vendetta, sul perdono e sui silenziosi gesti di compassione in grado di sanare anche le ferite più profonde.

Tre, ma anche quattro livelli di racconto, in cui i personaggi protagonisti delle vicende cambiano volto, com’è naturale che in una narrazione orale accada. Una sorta di horror tutto giocato in sottrazione, con al centro creature vampiresche che proprio vampiri non sono: mordono dritti al collo, ma si riflettono negli specchi; sono sensibili al loro stesso sangue come fosse puro veleno; tollerano male la luce del giorno, ma non ne vengono uccisi. Quello che più importa a Casey Affleck, qui al suo terzo film da regista, è però non tanto che cosa venga raccontato sullo schermo, ma come. Un film sul racconto, che parla di (elaborazione del) lutto, di vendetta e di perdono; che snocciola su una esile, ma avvincente trama horror una storia d’amore e d’amicizia che attraversa – e supera – la nozione umana del tempo. Il fascino di una narrazione stratificata e tutta in sottrazione fa perdonare qualche leziosità, ma una regia minimalista, che alterna campi lunghi per mostrare le distese gelate del Canada, dove è stato girato, a contrasto con i primi piani e i piani americani impreziosisce e cesella il tutto. I volti rustici di Scott McNairy, Ben Mendelsohn e Nick Nolte, quest’ultimo dall’altro dei suoi ottantacinque anni, fanno di “Company” un delizioso, piccolo, grande film.

Voto: 7 1/2

Paolo Dallimonti

NO PARADISE IF YOU ARE KILLED BY A WOMAN – LA RECENSIONE

Vyan, una cecchina curda, è sopravvissuta alla guerra reprimendo le proprie emozioni. Quando scopre che la sorella minore, creduta morta nell’assalto dell’ISIS del 2014, potrebbe essere ancora viva a Mosul, torna in una città segnata dalla morte e dalla distruzione. La sua ricerca si trasforma in una missione di salvataggio, ma anche in un doloroso confronto con il trauma che per anni ha tentato di seppellire.
Film politico, ma anche d’intrattenimento, diretto da un maschietto, il regista Halkawt Mustafa, che sembra ispirarsi ai migliori action movie di Kathryn Bygelow, primo fra tutti “The hurt locker”, ci porta insieme alla protagonista, una guerriera Peshmerga, a scoprire orrori intimi (traumi e fantasmi) ed esterni (la guerra). Ritratto delle donne curde che da generazioni lottano per la propria libertà, la pellicola, avvincente e serrata, cerca di omaggiarle e di tenere vivo il loro ricordo. Donne costrette a convivere con la paura, la perdita e l’incertezza, eppure decise a non arrendersi. Donne che hanno rifiutato di piegarsi all’oscurità e hanno scelto di combattere non solo per se stesse, ma anche per la libertà degli altri.
Un’opera ironica già dal titolo e critica con tutti, in cui anche l’occidente non porta a casa una bellissima figura, ma che riesce a parlare innanzitutto di speranza, di amore e di forza.
La storia di Vyan (la bravissima Avan Jamal), cecchino spietato e preciso, una vera e propria macchina da guerra, ma profondamente umana, diventa il simbolo di tutte le donne oppresse.

Voto: 8

Paolo Dallimonti

UNA STORIA – LA RECENSIONE

Erika e Mauro vivono in provincia, dentro una quotidianità semplice fatta di abitudini rassicuranti e piccoli gesti. Quando la figlia Irene parte per studiare in un’altra città, la casa si svuota e l’equilibrio su cui la coppia ha costruito la propria esistenza sembra incrinarsi. Erika, che ha sempre abitato il mondo attraverso la cura degli altri, si scopre improvvisamente senza direzione. Mauro, cresciuto nel rigore emotivo di un padre autoritario, tenta a suo modo di reagire riempiendo il vuoto, ma finisce per confrontarsi con una fragilità mai confessata. Nel tempo sospeso che segue riaffiorano ferite lontane e desideri dimenticati. Sarà proprio questa crisi intima e profonda a spingerli a guardarsi davvero e a capire se e come possono trasformare se stessi e di conseguenza il loro amore.
Debutto alla regia dell’attrice Anna Foglietta, vista in tante commedie che non sempre hanno giovato alla salute del nostro Cinema. Se non altro il film ha il pregio di NON appartenere a quel genere, a quelle farse fin troppo leggere. Siamo al confine col dramma, un dramma in cui una coppia fa i conti col tempo che passa, coll’essere invecchiati, cosa che però non ha coinciso coll’essere diventati adulti. Lo fa con due discreti attori, dei quali il migliore in assoluto è Guido Caprino, grazie alla “semplicità” del suo personaggio; con scelte di regia audaci e a loro modo originali, come un lungo soft-split-screen in cui i due protagonisti si confrontano l’un l’altra. Però la pellicola rimane vittima della propria essenza: il racconto di due depressi, di due insoddisfatti, ha un pubblico limitato. Chi vive quello stesso destino, può riconoscersi nei problemi di Erika e Mauro: ma gli altri, che curiosità possono avere nei confronti di una storia di frustrazioni, di interessi mai avuti o mai (o ancora mal) coltivati? Una pellicola minimalista, troppo, forse fuori tempo massimo. Decisamente “skult” le scene in cui Erika decanta a Mauro “lo ciambella” che ha preparato per lui: per quanto emblematiche e simboliche, sono diventate già proverbiali.

Voto: 5

Paolo Dallimonti

IL MASSACRO – LA RECENSIONE

Dopo anni di inattività creativa, schiacciato dal fallimento di diversi progetti cinematografici naufragati a un passo dalla realizzazione, un regista (Cosimo Messeri) decide di fare i conti con il proprio passato recente. Così, rintraccia e intervista le donne conosciute attraverso le app di dating durante quel periodo sospeso della sua vita. Affiancato da due amici, trasforma questo esperimento in un film che oscilla tra documentario e confessione personale.
Attraverso incontri, ricordi e confronti spesso dolorosi, emerge il ritratto di un uomo alle prese con le proprie sconfitte, le occasioni mancate e il bisogno di ritrovare un senso. Nel cercare di capire cosa abbia perso e cosa possa ancora salvare, scopre qualcosa che non aveva previsto: la possibilità di ricominciare.
Il cinema tornerà inaspettatamente a essere uno strumento per abitare il mondo e riscoprire un amore profondo per la vita. «Per dieci anni non sono riuscito a fare un film”, afferma Cosimo Messeri. Claudio Caligari potrebbe rispondergli che, tutto sommato, gli è andata anche bene, visto che in poco più di trent’anni è riuscito a girare solo tre film, imbarcandosi ogni volta in progetti che gli portavano via mesi su mesi, per poi arenarsi a pochi giorni dalle riprese. Molto felliniano, anche nella colonna sonora, scritta da lui stesso, che ricorda “La dolce vita”, ma soprattutto come ritratto di un regista in crisi. In questo modo Cosimo, figlio dei noti Marco e Luisanna (che compaiono in voce), attraversa un percorso fatto di una serie di conoscenze, di donne con le quali era entrato in contatto attraverso le app di dating.
Non vuole raccontare quel momento particolare della sua vita, ma attraversarlo, per vedere se, sotto la sabbia di quel deserto, fosse rimasto ancora qualcosa di vivo. In un personalissimo bianconero, curato da Marco Parolin, ci trasporta, lungo il filo di una sottile ironia, in una serie di racconti, che, frammentati, dovrebbero ricostruire la sua composita personalità. Impagabili e preziose le voci in segreteria telefonica, a metà film, dello scomparso Federico Frusciante e del semprevivo Nanni Moretti, Divertente, riflessivo, (auto)biografico.

Voto: 7

Paolo Dallimonti

WOMAN UNKNOWN – LA RECENSIONE

Marie sta per sposare Christian, il ricco vedovo per cui lavora come domestica e bambinaia. Per lei, il matrimonio significa diventare la signora della casa. Ma c’è un segreto che potrebbe mandare tutto in frantumi: durante la guerra ha avuto una relazione con un soldato tedesco. Ora, nell’anarchia del dopoguerra, quel passato torna a presentarle il conto. E Marie è pronta a tutto pur di difendere la vita che si è conquistata.
Film diretto da una donna, May el-Toukhy, con protagonista una donna, Marie, interpretata da Mathilde Arcel, determinata a tutto pur di ottenere quel riscatto sociale che da sempre ricerca. In un momento in cui la Danimarca ha appena riconquistato la libertà dopo la fine della Seconda Guerra Mondiale, la Resistenza inizia a fare i conti. E dal passato della protagonista, quasi per caso, riemerge qualcuno che è a conoscenza del suo scomodo passato. Da lì Marie si trova al centro di un vortice dal quale cerca di fuggire, non esitando a coinvolgere chiunque invece possa essere additato al suo posto, arrivando perfino a sacrificare la vicina, con la quale aveva anche un rapporto quasi d’amicizia. Una sorta di Modesta Spataro de “L’arte della gioia”, mossa però qui, più che dall’ambizione, da un’inesauribile voglia di riscatto. Mentre donne che hanno collaborato col nemico vengono esposte al pubblico ludibrio e umiliate, forse anche da chi ha ancora qualche scheletro nell’armadio – anche il suo futuro marito fece affari con i tedeschi, pur di non fallire – Marie non vuole sentire ragioni.
Protagonista del film, co-prodotto tra Danimarca, Lettonia e Svezia, è anche il Corpo delle donne: quello delle collaborazioniste che viene profanato davanti a tutti, quello che Marie non esita a dare ogni sera al suo ricco fidanzato, pur prendendo gocce di morfina per i dolori che un parto finito male tuttora le provoca, quello che ha si è fatto rubare dal soldato nazista durante la guerra, quello che non si vergogna di concedere al conoscente che riemerge dal passato e potrebbe tradirla.
Note: Il film si è aggiudicato il Leone d’Oro e la Coppa Volpi come migliore attrice, assegnata a Mathilde Arcel, alla 83a Mostra Internazionale del Cinema di Venezia.

Voto: 7 1/2

Paolo Dallimonti

GU SHI – LA RECENSIONE

Una famiglia di quattro persone – Padre, Madre, Figlia e Figlio – arriva in una misteriosa casa tra l’oceano e la foresta, portando con sé una crisi impossibile da nominare. Quello che doveva essere un soggiorno temporaneo si prolunga in uno strano limbo. Dopo che un incidente costringe il Figlio a letto, la famiglia si ritrova a raccontare storie sull’oceano, un rituale attraverso cui sembra possibile dimenticare. Tormentata da incubi ricorrenti, la Figlia comincia a intuire che i vuoti nei suoi ricordi d’infanzia sono legati alla casa e a una ragazza con un vestito verde. Quando il passato torna a galla e il confine tra realtà e racconto si dissolve, dovrà scegliere il proprio modo di ricordare. “Gu shi” può essere letto come un misterioso dramma familiare, anche se la regista sembra più interessata a come le dinamiche della famiglia funzionino come allegoria politica del nostro presente. Quando il passato è stato cancellato e il presente resta sospeso, che ne è del futuro?
Il film ruota attorno a un segreto di famiglia sepolto e ai diversi modi in cui ciascun membro affronta, o rimuove, il proprio passato. Il Padre manipola la memoria e ricorre alla violenza per mantenere il controllo. La Madre, oppressa da un trauma mai espresso, sopravvive nel silenzio. La Figlia eredita soltanto frammenti del passato, sospesa tra verità ricordate a metà. Il Figlio, ignaro di ciò che è accaduto prima di lui, si rifugia nella distrazione e nel distacco.
Mentre le loro storie si svelano, il film diventa una riflessione sulla fragilità della memoria e sul timore di dimenticare, in un’epoca in cui l’amnesia collettiva sembra sempre più diffusa. La narrazione procede curiosamente attraverso dei racconti fantastici, condotti dai vari personaggi, che dovrebbero esplicitare quanto nascosto da tutti. Pur essendo affascinante per alcuni versi, anche attraverso atmosfere sospese, la pellicola finisce per non coinvolgere fino in fondo lo spettatore, rivelandosi soltanto un bluff.

Voto: 6

Paolo Dallimonti

FAME D’ARIA – LA RECENSIONE

Pietro è in viaggio verso la Puglia con Jacopo, suo figlio autistico. All’improvviso la loro auto si ferma. Vengono soccorsi da Oliviero, un meccanico del posto. Pietro e Jacopo trovano ospitalità da Agata, proprietaria di un bar che un tempo era anche una pensione. Ad aiutare Agata c’è Gaia che crea un legame profondo con Pietro. La routine nel piccolo paese è fatta di lentezza e monotonia nell’attesa di qualcosa, fino a quando a bloccare la ripresa del viaggio è la drammatica verità dei fatti. Specializzato in film scritti da altri – “Pulce non c’è”, dall’omonimo romanzo di Gaia Rayneri, “Figli”, dal monologo “I figli invecchiano” dello scomparso Mattia Torre,“L’Arminuta”, dal libro omonimo di Donatella Di Pietrantonio – Giuseppe Bonito arriva a Venezia, nelle “Giornate degli autori”, con questa pellicola tratta dalle pagine di Daniele Mencarelli. Un “I figli della Scimmia” in tono minore, anche se gli handicap sono diversi, o, forse, più avventuroso, in forma di road-movie, con un padre, interpretato da un Paolo Pierobon molto più sanguigno dello Scamarcio tutto in sottrazione dell’altro film, ma egualmente efficace. Qui c’è anche un elemento “meta-cinematografico”, poiché Jacopo, autistico “a basso funzionamento” è interpretato (molto bene) da Saverio Santangelo, attore normo-dotato, che, in un sogno del genitore, apparirà appunto “normale”. Bonito, attraverso le pagine di Mencarelli, riesce a mettere in scena anche quello che viene chiamato “dolore burocratico”, ossia la difficoltà di combattere con gli altri, in particolare con le istituzioni o con una banca, che ciclicamente ti blocca le carte perché hai un fido in negativo. Verso la fine si accumulano qualche cliché e qualche banalità, ma il regista riesce a tenere in piedi, quasi interamente sulle spalle dei due protagonisti, pur con l’ausilio di qualche caratterista di lusso, come Rosa Palasciano, un racconto avvincente, cinematograficamente valido, su una tematica vista, ma non scontata.

Voto: 7

Paolo Dallimonti